Die Kunst des Unterlassens: Martin Gruber im Interview
Je näher man dem Wesen eines Ortes kommt, desto weniger braucht es große Gesten. Architekt und Künstler Martin Gruber über die Kraft des Menschlichen, die Schönheit der Reduktion und die leise Kunst, aus Landschaft Architektur werden zu lassen.
Hallo Martin – schön, dich wiederzusehen! Woran arbeitest du aktuell?
Im Ahrntal entsteht gerade Mono. Wenn man vor dem Grundstück steht, sieht man zunächst eigentlich wenig: Zwei Mauern liegen in der Bergwiese, dazwischen spannt sich ein Raum auf. Das Haus sitzt im Hang, die beiden verglasten Seiten schauen talauswärts und taleinwärts. Ich mag diese einfache Geste. Sie versucht nicht, mit der Landschaft zu konkurrieren. Je länger man dort steht, desto weniger weiß man, wo die Architektur beginnt und wo der Ort aufhört.
Vielleicht kommt diese Haltung auch von den alten Stützmauern, die man hier überall findet. Sie wurden gebaut, weil sie notwendig waren. Niemand hat sie damals als Architektur bezeichnet. Nach Jahrzehnten sind sie Teil der Landschaft geworden. Ihre Schönheit kommt aus ihrer Selbstverständlichkeit. Genau diese Selbstverständlichkeit suche ich auch bei neuen Häusern.
Anfang September haben wir zudem Living Lands in Biberwier eröffnet. Ein ehemaliger Campingplatz wurde zurückgebaut, daraus entstand ein hügeliger Garten, flankiert von einer „bewohnbaren Gartenmauer“. Die Form leitet sich von der Loisach ab, die dort vorbeifließt. Es ist eine organische Architektur geworden, die gleichzeitig sehr ruhig und klar bleibt.
Die Idee hinter dieser Umkehrung des Bauwerks war sehr einfach: die Sehnsucht nach einem geschützten Innenraum. Ein Innenraum wie ein Garten, fast wie ein kleines Paradies.
Was bestimmt deine architektonische Grundhaltung, wie gehst du Projekte an?
Ich fange mal verkehrt herum an. Am Ende soll es gut sein. URLAUBSARCHITEKTUR filtert qualitätsvolle Architektur. Aus dieser Haltung entsteht in Summe ein Vertrauen, ein wertvoller Beitrag für Architektur, der Menschen dafür begeistert und anzieht.
Mit einem solchen Anspruch starte ich jedes Projekt: Ich nehme mir zunächst die Zeit, genau hinzuschauen und versuche dann, den Ort, den Bestand inklusive der Menschen gern zu haben. Mit dieser angewandten Haltung kann man leichter den Startpunkt eines Projektes finden – dieser Prozess basiert oft auf einem künstlerischen Zugang.
Kunst ist für mich dabei das Aufmerksame, das Sorgsame, das über das Normale und Notwendige Hinausgehende … oft etwas schwierig zu finden – Kunst halt. Und meistens geht es dabei um ein Ideal. Ich suche jene Schönheit, über die nicht gestritten wird, jene natürliche Schönheit, die von möglichst vielen Menschen intuitiv erkannt und gelesen werden kann. Eine Schönheit ohne Zeigefinger.
Wenn ich mir dann bei gestalterischen Entscheidungen nicht sicher bin, dann versuche ich, Architektur eher als einen Film, denn als einen Plan zu sehen. Das Leben besteht ja per se aus dynamischen Zuständen. Es verändern sich die Bedürfnisse. Es verändert sich im Jahreslauf auch die Umgebung. Ich mag die Versuche, daraus Muster zu erkennen und Stellung zu beziehen: Ich mag auch Übergänge, Zwischenzustände, vielleicht mag ich gerade auch deshalb die Baustellen.
Wenn mir ein Projekt nahegeht, fühlt es sich wie ein Lebensfilm an. Dann werde ich plötzlich sehr ernst, und es wird mir alles besser bewusst. Ich frage mich, ob ich ausreichend Gefühl und Liebe hineingelegt habe. Nicht Detailliebe – die auch –, sondern insgesamt eine hohe Aufmerksamkeit, Verantwortung und Wohlwollen.
Sehr wichtig ist mir dabei die Rolle des Humanen als zentrale Kraft. Das fängt beim Bauherrn an, dem ich dann auch mal zu schnell recht gebe. Ich gebe aber auch deshalb oft nach, weil ich darauf vertraue, dass das Konzept immer noch stark genug ist. Und so lasse ich den Handwerkern auch mal etwas mehr freie Hand, wenn sie das Konzept verstehen. Dann entsteht so etwas wie Leidenschaft, und dann so eine Art Freundschaft. Das ist so das Stimmungsbild auf meinen Baustellen.
Dieses Nachgeben habe ich als junger Architekt übrigens immer als Schwäche empfunden, mittlerweile sehe ich es eher als meine Eigenheit. Letztendlich geht es darum, dieses gegenseitige Vertrauen in Schönheit umzuwandeln. Da Architektur sehr statisch und sehr langfristig ausgelegt ist, gilt es, alles mit enormer Voraussicht zu kalibrieren – nach bestem Wissen und Gewissen.
Arbeitest du überwiegend alleine oder hast du ein Team?
Ein Projektentwurf wächst von innen heraus, das bin also zuerst einmal ich, zu 100 Prozent. Früher hatte ich mal sechs Mitarbeiter. Die haben sich nach und nach alle selbstständig gemacht. Mit denen arbeite ich jetzt teilweise freiberuflich zusammen, oder mit anderen jungen Architekt:innen. Jede:r hat so seine Stärken: einen Plan vor Ort genehmigen lassen oder mit Ingenieuren für Brandschutz und Kataster Abstimmungen treffen. Es kommt ja immer ein ganzes Orchester zusammen und ich sehe es als das schönste Privileg, gestalten zu dürfen. Insgesamt ist es aber natürlich keine One-Man-Show.
Du schreibst selbst auf deiner Website „Bauen ist auch Unterlassen“. Kann man sagen, dass du – auch in Verbindung mit deiner begrenzten Manpower – besonders stark selektierst, welche Projekte du überhaupt annimmst?
Ich sehe mir gern jede Bauaufgabe an. Aber bevor es ans Planen oder Bauen geht, ist jedes Projekt zuerst einmal ein Neustart – mit neuem Ort, neuer Bauherrenschaft und neuer Aufgabe. Das erfordert zuerst eine kreative Bestandsanalyse. Da muss gar nichts gezeichnet werden, da möchte ich einfach nur innehalten. Es ist essenziell, sich in dieser Phase genügend Zeit zu geben, um die richtigen Fragen zu stellen, bevor man Antworten sucht. Man muss ja auch etwas finden wollen, bevor man es sucht.
Nach der Analyse kommt die Synthese: meist fünf oder sechs Entwurfsideen, die ich gegeneinander abwäge – und das tue ich tatsächlich alleine. Danach setze ich mich gern mit einem älteren Einheimischen, den Handwerkern, an den Tisch. Und auch Professor Volker Giencke oder Oscar Niemeyer sitzen dann gedanklich immer auf meiner Schulter, um die Gedanken auf Lesbarkeit und Einfachheit und subjektiven Geschmack zu prüfen. Das ist die Phase, in der es darum geht, den Test in der Realität zu bestehen bevor die nächsten Schritte folgen.
Du hast gesagt, dass du Architektur nie in Konkurrenz zur Natur stellen magst. Wie genau setzt du das um, geschieht das bereits während der kontemplativen Phase?
Ja. Der Geist des Ortes und die Natur als Inspiration und als Mutter von allem sind sehr wesentliche Aspekte. Es gibt auch eine geistige Natur. Bei Living Lands gab es diesen Moment, in dem ich an Siddhartha von Hesse denken musste, wie er in diesen Bach schaut und einfach nur das Wasser beobachtet. Ich bin der festen Überzeugung: Je näher ein Projekt an der Natur liegt, desto stimmiger ist es – denn über Architektur und Schönheit wird oft und gern gestritten, aber über die Natur eben nicht.
In der Natur ist alles schön – sogar die Wüste ist schön. Wenn man sich darauf einlässt, merkt man irgendwann: In der Natur gibt es nichts, was nicht stimmt. Und man sieht die Details. Diesen Blick sollten wir Architekten auch üben. Da steht dann beispielsweise mein Vater neben mir und sagt: „Schau, die Schwalben haben gar keine Pfützen mehr, die sie zum Nestbau brauchen.“ Während gerade eben erst irgendein Architekturprojekt für eine Platzgestaltung ausgezeichnet wurde – alles perfekt, aber Pfützen hat es halt keine mehr. Das weckt mich dann auf, erdet mich.
Bleiben wir bei der Natur: Wenn man in den Kommentaren zur Freiform, deinem eigenen Ferienhaus, stöbert, trifft man auf Zuschreibungen wie „Nature Observatory“ oder „not designed as a house, but as an organic sculpture“. War das deine Intention bei der Planung?
Ich gebe gern zu, dass das Handgelenk manchmal schneller ist als der Kopf und ich das gar nicht alles so erdenken kann: Bei der Freiform haben viele Experimente eine Rolle gespielt, die aufgegangen sind. Die Grundidee war es, Möbel auf die Wiese zu stellen und rundherum eine Schleife zu legen, die einen warm hält. Das alles nicht quer zum Hang, sondern leicht schräg gesetzt, sodass man auch nach oben oder nach unten blicken kann. Die Freiform bildet schon sehr viel davon ab, wie ich auch selbst als Person bin.
Spannend war es auch insofern, als es das erste Projekt war, bei dem ich Bauherr und Architekt in einem war. Da gab es natürlich auch riesige Streitereien mit mir selbst. Aber ab einem gewissen Punkt war die Freiheit und die Energie für diesen Schwung da, der mich auch heute noch tief durchatmen lässt. Es ist schön zu sehen, was Architektur alles bewirken kann.
Wir durften die Freiform schon selbst erleben. Die Präsenz der Natur ist total und der Architektur wohnt eine wohltuende Selbstverständlichkeit inne.
Danke für das Kompliment! Das deckt sich mit vielen Bewertungen im Gästebuch und man merkt auch dort, dass die Architektur ganz offensichtlich ohne Gebrauchsanweisung funktioniert. Viele Gäste bleiben sehr lange im Bett liegen, weil sie sich von den wechselnden Aussichten gar nicht lösen können!
Neben der starken Haptik fallen in der Freiform und anderen deiner Projekte die vielen kleinen Design-Details auf – gestaltest du diese selbst?
Ein Konzept erfordert aus meiner Sicht ein Zu-Ende-Bauen. Nicht in der Perfektion der Industrie oder des Designs, sondern eher in einer archaischen Haptik. So habe ich etwa gemeinsam mit meiner Frau die Lampenaussparungen selbst zugeschnitten und dann die Lampen eingeklemmt. Wenn man selbst gern mitarbeitet, dann spürt man, wie die Idee mit dem Tun verschmilzt. Das ist meiner Meinung nach die ehrlichste Form der Kommunikation. Konkret gesprochen, wollten wir keine Designer-Lampen aufhängen, denn die können ja überall hängen. Uns ging es um das Thema Licht und darum, die Aussicht nicht zu stören.
Ich finde ohnehin, dass man viel zu großen Respekt hat vor weißen Wänden oder perfekten Böden. Als ich seinerzeit die Filzstift-Skizzen von Niemeyer an den weißen Wänden sah – das dürfen sonst ja nur kleine Kinder –, fand ich das beeindruckend. Der Mensch wird emporgehoben, die Wand schrumpft, so soll es sein.
Wie bei meinen Holzskulpturen, die zum Teil verkohlt sind, habe ich mich also irgendwann auch an die Wände getraut und diese mit z.B. Rußhandschuhen bearbeitet. Natürlich habe ich mich vorher gefragt: Darf ich das eigentlich? Und was ist, wenn es schiefgeht? Aber irgendwann dachte ich: Das Haus gehört mir und nicht umgekehrt. Wenn man es riskiert hat und dann sieht und spürt, was passiert, dann ist das eben etwas ganz anderes, als ein Bild an eine weiße Wand zu hängen. Das geht einem ganz anders nahe.
Das ist also die angewandte Haltung, von der du vorhin gesprochen hast und die du in Architektur und Kunst praktizierst, richtig?
Ja. Diese Mutproben und Übungen im analogen Bereich, also die Wertschätzung des Originals mit allen Faktoren des Zufalls, auch des Scheiterns, setzen voraus, dass man probiert und akzeptiert, dass man den Prozess nie ganz kontrollieren kann.
Bei Häusern mache ich ungern Fehler, da habe ich eine große Verantwortung. Bei den Skulpturen hingegen bin ich frei. Während mein Vater ganz pragmatisch ist und in einem Holzscheit vorrangig den Brennwert sieht, versuche ich, dem Holz einen Geist zu entlocken. Da muss nicht immer alles perfekt sein, im Gegenteil: Das Figurative engt mich schon wieder ein. Man muss doch dem Betrachter auch die Freiheit lassen, zu sehen, selbst etwas zu erkennen. Das ist immer ein sehr individueller Prozess, trotz aller Übung, die ich mittlerweile habe. Sehr spannend!
Da sind wir ja schon wieder bei der Kunst der Unterlassung, oder?
Genau. Die wesentliche Frage, die man jedes Mal wieder beantworten muss, lautet: Wie weit gehe ich und wann sage ich: Jetzt ist es fertig. Man kann ein Werkstück ja auch „überdesignen“. Man muss da also ganz bei sich sein, auch vom Gespür her. Der Verstand alleine kann das nicht. Gerade in von Algorithmen dominierten Zeiten der KI und Robotik ist mir dieses echte Schaffen mit warmem Herzen als Gegenbewegung besonders wichtig.
Da du viel im Kontext der Berge arbeitest, spielt sicher gerade dort das Thema der Reduktion eine wesentliche Rolle?
Ein Objekt transformiert ja immer auch den Ort, das ist ein Wechselspiel. Es geht also in sensiblen Landschaftsräumen wie denen der Alpen nicht nur um den Geist des Ortes per se, sondern auch viel darum, dass man sich benimmt, sich zurückhält und dem Kontext besondere Beachtung schenkt. Denn jeder Eingriff entfacht ja auch immer einen Geist des Objekts.
Bauen ist ja immer eine öffentliche Angelegenheit und damit eine sichtbare Verantwortung.
Physisch gesehen herrscht unten in der Ebene eine gewisse Indifferenz, während sich die Berge durch ihre Horizonte und ihren Bezug zur Schwerkraft unterscheiden und damit einen eigenen Umgang erfordern.
Du hast seinerzeit mit Anders eine sehr klare Aussage getroffen, als du dich entschieden hast, ein Vielbettenhotel downzusizen. Auch in anderen Projekten hast du nicht nur unterlassen, sondern auch bewusst vorgeschlagen, zu reduzieren.
Abgesehen davon, dass die Banken zu der Zeit eine gewisse Zukunftsangst hatten und auch Corona eine Rolle gespielt hat, war es bei den anders suites so, dass ich dem Besitzer vorgeschlagen habe, sich wieder auf den Ursprung der Gastfreundschaft zurückzubesinnen.
Als es bei uns in der Gegend vor 40 bis 50 Jahren mit dem Tourismus losging, hat man einfach die Leute zu sich geholt, ganz ohne Konzepte und Marketing. Man hatte schlicht ein gewisses Wohlwollen den Gästen, damals noch „den Fremden“, gegenüber. Denen gab man ein Bett und ließ sie mit am Tisch sitzen. So konnte man das als Familie seinerzeit bewerkstelligen – ohne groß zu investieren, Schulden zu machen oder Angestellte zu brauchen. Viel kleiner und bescheidener eben als heute.
Dieses Downsizing führte beim Anders dazu, dass wieder mehr Zeit für die Gäste da ist. Plötzlich reichen auch die selbst gesammelten Pfifferlinge wieder für alle. Und so sitzt der Gastgeber mit den Gästen am Abend da, vielleicht bei einem Glas Wein, und hat wieder Zeit. Das ist doch eine große Qualität für alle.
Man bekommt bei deinen Projekten wie Mono oder Nidum den Eindruck, dass du den sensiblen Umgang mit dem Ort und der Landschaft nochmals auf eine neue Ebene gehoben hast. Du selbst hast das – treffend, wie wir finden – als Verschwinden durch Gestaltung bezeichnet.
In der konzeptionellen Gestaltung geht es um Essenz. Bei Mono haben wir mit baulichen Elementen entworfen, die bereits vor Ort waren, und dabei das Alltägliche neu entdeckt.
Den Talblick nicht automatisch hangabwärts, sondern talaus- und taleinwärts. Damit verschwand das Projekt aus dem Blick von der Straßenseite und öffnete doch den Blick in die Natur Richtung Süden und Norden.
Nidum hingegen ist ein Privathaus. Der Eigentümer wollte eigentlich eine Art Kopie der Freiform, das habe ich natürlich nicht gemacht (schmunzelt). Außerdem musste ich signalisieren, dass ich erst in einem halben Jahr Zeit habe. Da dachte ich schon, es hätte sich erledigt. Aber Marco hat pünktlich nach sechs Monaten wieder angerufen. Und dann habe ich mich den handwerklichen Möglichkeiten vor Ort gewidmet.
Entstanden ist eine vorgefertigte Holzbauweise, die in Südtirol in der Werkstatt zusammengestellt und dann dort sozusagen eingepflanzt wurde. Ein Verweis auf das Anders ist die Schräge der Wand, auch wenn sie hier nicht in der geschwungenen Form realisiert wurde.
Wie man sieht: Ich mag nicht einmal in der Vertikalen den rechten Winkel. Ich empfinde diese Schräge als angenehmer. Auch eine Rückenlehne ist ja leicht schräg.
Welche Grundsätze haben für dich noch eine besondere Bedeutung?
Meiner Auffassung nach sollten wir, oder sagen wir besser, könnten wir mit viel weniger zufrieden sein, die einfachen Dinge mehr schätzen und genießen. Heutzutage gibt es in der Gestaltung oft eine Sucht nach dem Wow-Effekt, in der Politik gewinnen die Extremen. Wenn ich mir etwa meine Eltern ansehe und welch einfaches Leben sie geführt haben, und wie wohlwollend und positiv sie immer allem gegenüberstanden, wird mir diese schöne, zufriedene Mitte bewusst. Menschlichkeit, Fleiß und dass es genügt, das Einfache und das Alltägliche mit seiner Normalität zu schätzen. Es braucht – im übertragenen Sinne gesprochen – nicht immer nur Ecken und Kanten.
Der Überraschungsmoment, den wir durch das Hinterfragen des Alltäglichen generieren, ist völlig ausreichend. Dazu braucht es Leidenschaft und die Freude an Kleinigkeiten. Ich glaube an das Weiche.
Du meinst, es fügt sich von selbst, so wie deine organischen Formen in der Architektur es tun – aus dem Fluss und dem Prozess heraus, weil du in der Lage bist, anzunehmen, was der Kontext dir schenkt, und du bereit bist, dich einzufügen?
Das trifft es perfekt – könnte glatt ein Zitat von mir sein!
Meiner Überzeugung nach trifft man es viel besser, wenn man sich gegenseitig zuhört. Natürlich haben wir einen technischen Beruf… aber das Gefühl, das Humane und die gegenseitige Wertschätzung und Leidenschaft sind für mich die entscheidenden Faktoren. Vertrauen als angewandte Haltung, sozusagen.
Lieber Martin, herzlichen Dank für das Gespräch!
Martin Gruber ist freischaffender Architekt aus Brixen, Südtirol. Er lebt und arbeitet mit seiner Familie am Bauernhof in Verdings (Freiform), wo er auch Holzskulpturen anfertigt.
Während seiner Karriere als Sportler (Vizeweltmeister im Naturbahnrodeln 1999/2000) studierte Martin Gruber Architektur in Wien, Innsbruck, New York, und Venedig. 2001 gründete er sein Studio und arbeitet seitdem als freiberuflicher Architekt im In- und Ausland.
Aus der Überzeugung, dass jede Zeit, jeder Ort und jeder Mensch seine eigene Schönheit in sich tragen, arbeitet Martin Gruber mit reduzierten Formen und versucht, diese Schönheit über eine essenzielle Formgebung freizulegen. Dabei bewahrt er genügend Raum für Interpretation der Betrachter, um den Projekten und Arbeiten eine sehr persönliche Wahrnehmung zu ermöglichen, damit ein starkes Vertrauen zu einer subjektiv schönen Architektur und Kunst aufgebaut werden kann.
Interview: Das Gespräch führten Britta Krämer und Ulrich Stefan Knoll.
Bildnachweise: Martin Gruber © Kathie McKnoulty (Titelbild); Mono © Martin Gruber (1–3, 35/36); Living Lands © Martin Gruber (4/5); Naturpanoramen und ‑stimmungen © Martin Gruber © Tobias Kaser (6–9, 18, 23–25, 41); Freiform © Martin Gruber © Tobias Kaser (10–16, 26); Skulpturen © Elisa Cappellari © Kathie McKnoulty (17, 19–22); Anders Suites © Tobias Kaser © Martin Gruber (27–34); Nidum © Martin Gruber (37–40)
0 Kommentare